El retrato

domingo, 15 de diciembre de 2013

Trucos y Tutoriales

 

Técnica fotográfica

EL RETRATO FOTOGRÁFICO

 

Nuestro compañero Julio López Morata, nos ha preparado un espléndido trabajo sobre el retrato. Este tutorial está estructurado en los siguientes bloques:

1.-Conceptos, Clases, Clases de plano, Punto de toma

2.-La cámara, los objetivos, la obturación, el diafragma, la exposición

3.-La iluminación  (luz natural y artificial)

4.-El encuadre  (la pose, el foco, la dirección del modelo)

5.-El disparo (retoque, archivo)

 

1.-Conceptos, Clases, Clases de plano, Punto de toma

Conceptos

Procede del campo de la pintura. Hasta el Renacimiento los retratos se hacían por encargo del cliente y por tanto tenían que reflejar las cualidades que pedía éste.

Aunque, en general, el retratista siempre ha tenido cierta dependencia del  “cliente” o el “mecenas” o más tarde de los “marchantes” y los “galeristas”, después del Renacimiento se van rompiendo muchas ataduras formales para llegar a una mayor autonomía creativa del autor que va introduciendo en el retrato aspectos mas subjetivos e interpretaciones mas libres del modelo. A partir de ahí, una de las definiciones más aceptadas sería…” Imagen que refleja las cualidades físicas o morales del sujeto”.

La aparición de la fotografía a finales del siglo XIX y su posterior evolución a lo largo del siglo XX, convierte al retrato en el género fotográfico por excelencia, hasta el punto de que el término retrato se utiliza en ocasiones como sinónimo de fotografía.

El retrato fotográfico contribuyó en su momento a acercar un poco más el mundo, a la documentación histórica y científica. Cuentan que algunas tribus amazónicas, al ser retratadas por primera vez y ver el resultado temían que “se les robara el alma”. El retrato del siglo XXI rebasa los límites de la figuración para mostrarnos no solo lo evidente sino también lo no visible, el carácter, lo subliminal, o la pura ficción del mundo de la publicidad y del marketing.

Clases

Las clasificaciones podrían ser casi ilimitadas, según el criterio que se siga para hacerlas  pero algunas de las más comunes son:

–         Formal. Con pose y luces buscadas, es el retrato clásico.

–         Informal: en movimiento, con música en el estudio, con poses y gestos improvisadas y dinámicas.

–         De entorno: en el que se abre plano y se refleja también la actividad del sujeto en el encuadre.

–         Intrusista: se pilla por sorpresa al modelo aunque sea en actitudes poco elegantes (Avedon se ganó la fama de chico malo al retratar a la alta sociedad americana en estas poses)

–         Halagador: el de las bodas, comuniones, etc.…

–         Glamour: es el retrato de “belleza” de la publicidad y la moda caracterizado por el cuidado del maquillaje, peluquería y estilismo y el de las luces y el retoque.

–         Masculino: sombras duras, alto contraste, marcando músculo y barba…

–         De carácter o sicológico: suelen ser encuadres muy cerrados de primer plano que buscan la mirada desnuda del sujeto.

–         De clave alta: con predominio de tonos blancos y claros y algún oscuro. Llenan la parte derecha del histograma.

–         De clave baja: predominio de sombras y tonos oscuros, llenan la parte izquierda del histograma.

–         Individual (un solo sujeto) o de grupo (varios sujetos ala vez)

–         De estudio o de exteriores.

Tipos de plano (distancia al modelo)

–         Plano general o de cuerpo entero.

–         Plano americano o de 3/4 (de la rodilla a la cabeza)

–         Medio plano (de cintura para arriba)

–         Algunos autores distinguen también el medio plano corto, que va desde la mitad del pecho hasta la cabeza.

–         Primer plano (de los hombros a la cabeza)

–         Primerísimo plano (sólo el rostro desde la barbilla hasta la punta de la cabeza.

–         Plano detalle (es un recorte, una pequeña parte del cuerpo del modelo que no tiene porque ser el rostro. Puede ser un detalle de cuello y oreja, los labios, etc.)

Punto de toma (relación de la cámara con el modelo)

–         A nivel (la cámara está aproximadamente a la altura de los ojos del modelo.

–         Picado ( la cámara está algo más alta que los ojos del modelo) (es recomendable para modelos con poca frente y con mucha papada)

–         Contrapicado (la cámara está algo mas baja que los ojos del modelo) (es recomendable para sujetos con mucha frente o para disimular calvas muy llamativas) (enfatiza la sensación de autoridad del modelo)

–         Cenital ( la cámara está completamente encima del modelo)

–         Lateral (para mostrar un perfil perfecto o todo lo contrario)

2.-La cámara, los objetivos, la obturación, el diafragma, la exposición

La cámara (recomendaciones)

Lo ideal es llevarla en modo “manual” (de otra forma será el software de la cámara el que tomará decisiones por nosotros).

El ISO más bajo posible pues es el que nos dará mayor calidad.

El formato de archivo en RAW que nos permitirá corregir posteriormente balance de blancos, exposición e incluso el rango dinámico.

El balance de blancos en automático pues es de los automatismos que mejor suelen funcionar en las cámaras.

Procurar tener la cámara siempre a punto: limpia, con la batería bien cargada y las tarjetas con espacio suficiente.

Procurar hacer los cambios de objetivo  en lugares protegidos del viento, polvo, gotas, etc., para que no se ensucie el sensor.

Los objetivos (o las ópticas, o las lentes)

En general dan un poco más de calidad las lentes fijas que las del tipo zoom.

Son recomendables las lentes “largas” (de 80 a 150 mm) para no tener que acercarnos demasiado al modelo y que no se sienta invadido. Además ayudan a disminuir la profundidad de campo.

Para plano general y medio plano van muy bien de un 35mm a un 50 mm.

Para primer o primerísimo plano viene muy bien un macro sobre 105 mm, pero hay que tener cuidado con el excesivo detalle que da en arrugas, poros, pelillos, etc.

Para grupos es recomendable un angular que no deforme mucho (sobre un 28 mm)

El diafragma (la abertura)

En general es recomendable un diafragma abierto, 5,6 o todavía menos, para reducir la profundidad de campo y separar al modelo del fondo. Además en combinación con una lente “larga” nos reducirá más la profundidad y aumentará la condensación y el efecto de piel sedosa.

Sin embargo, según el efecto que busquemos, puede ser necesario uno más cerrado, un F 16 por ejemplo, para enfatizar arrugas, barbas, etc.

En todo caso conviene conocer la propia cámara y saber cual es el mejor diafragma que tenemos con cada objetivo, cual es el mas fiel, y normalmente lo son alrededor de la zona central: F5,6, F8, F11.

La velocidad de obturación

En exteriores, con luz natural, la fórmula es: 1 / por la distancia focal. Es decir si tiramos con un tele a 300 mm, 1/300. Esto es para “congelar” la acción y que no haya desenfoque de movimiento.

Con menos de 1/30, a no ser que tengamos un pulso extraordinario, es preferible usar trípode o nos saldrán “movidas”.

Para provocar desenfoques de movimiento, barridos, etc., hay que probar con velocidades inferiores a 1/30.

Con flash  es conveniente ver a que velocidad sincroniza nuestra cámara. A partir de 1/200-250 no dará tiempo a abrirse a todas las láminas del diafragma y nos saldrá una zona en negro.

La exposición

Un buen fotometro es el mejor amigo para hacer una buena medición para retrato.

Si no disponemos de fotómetro, una carta gris nos puede valer para hacer una lectura de luz reflejada.

Y si nos fallan las dos cosas hay que hacer la lectura reflejada sobre el sujeto con la cámara en modo medición puntual, tomando una medida en el punto más luminoso que queramos conservar información y otra en la parte más oscura. Con ello tendremos el rango dinámico de la escena (número de pasos de diafragma entre sombras y luces) y sabemos que las cámaras digitales difícilmente captan bien mas de 5-6 pasos.  Por ejemplo, si medimos un F16 en las luces y un F4 en las sombras, podemos poner en cámara un F8 y tendremos una imagen equilibrada de bajo contraste. Si queremos que se aproxime a clave baja pondremos un f11 ó f 16 aunque, probablemente, se nos empastarán las sombras.  Si queremos que tire a clave alta pondremos un F4 o F5,6 pero es muy posible  en este caso que quememos  las luces.

No obstante la medición de luz reflejada de la cámara no es absolutamente precisa. Tienden a subexponer de uno a dos pasos las escenas muy luminosas y a sobre exponer uno o dos pasos las escenas muy oscuras y se vuelven un poco locas en las escenas de mucho contraste. Por ello es conveniente hacer pruebas de medición en casa o en la calle sobre ese tipo de escenas para poder calcular la desviación de medición de nuestra cámara y aplicarlo.

Y si nos falla todo siempre nos queda mirar el visor y el histograma y corregir sobre la marcha.

Lo que si es importante es clavar las altas luces en la exposición pues es donde mayor número  de píxeles se concentra.

3.-La iluminación  (luz natural y artificial)

Luz natural

En exteriores.

El primer problema en exteriores puede ser el “corte” que sufra el modelo si lo están observando otras personas. El uso del tele largo, dándole cierta distancia, le puede ayudar a relajarse y a disimular su vergüenza.

Si estamos bajo el sol directo tendremos mucha luminosidad pero también sombras acusadas,  fuertes contrastes y posiblemente ojos semicerrados. 

Si queremos un retrato más suave es mejor aprovechar esos días en que las nubes o la niebla hacen de difusor y filtran la luz tamizándola, o buscar la sombra y si podemos, colocar al modelo situado al norte. Si necesitamos aclarar el lado más oscuro es muy útil llevar un reflector plegable tipo “lastolite” o en su defecto nos fabricamos uno casero con una lámina de porespán o cartulina blanca o incluso con papel Albal.

En exteriores la luz natural nos brinda una magnífica oportunidad al atardecer para hacer contraluces. Si queremos dejar al modelo en silueta oscurecida basta con medir directamente para la fuente de luz. Si por el contrario queremos identificar algo del modelo podemos aclararlo con el reflector o bien iluminarlo con el flash de relleno a media potencia o menos.

En todo caso hay que evitar siempre el sol directo sobre los ojos del modelo.

En interiores.

En interiores, la luz natural procedente de una ventana puede crear una atmósfera perfecta para el retrato.

Lo ideal es que la ventana esté situada al Norte: siempre tiene buena luminosidad y nunca recibe el sol directo pues va de Este a Oeste. Si además la luz está tamizada por los visillos o una cortina blanca, mejor que mejor. El modelo debemos situarlo en paralelo a la ventana o a 45º hacia ella y lo más cerca posible de la misma pues la cantidad y la calidad de la luz disminuye al alejarnos de ella. De esta forma tendrá una mayor luminosidad en el lado más cercano a la ventana y el lado contrario quedará más oscuro dando sensación de volumen.  Como antes, si necesitamos aclarar el lado oscuro podemos usar un reflector o el flash de relleno a baja potencia. Aquí lo que importa es la calidad de la luz. La cantidad podemos conseguirla con el trípode y una velocidad más lenta.

Y lo importante es huir del sol directo. Si la ventana está situada hacia el sur u otro lado, no pasa nada siempre que evitemos el sol directo y aprovechemos las horas más dulces del día o  esos días nublados que tienen una luz blanca, envolvente, aunque de poca intensidad. 

También es muy favorecedora la luz cenital de una claraboya, cuanto más grande mejor, siempre que no sea mediodía y tengamos el sol justo encima.

Luz artificial

Debemos conocer la “temperatura” de la fuente para poder ajustar bien el balance de blancos, aunque lo llevemos en la cámara en automático. Una bombilla normal de tungsteno tiene de 2.800 a 3.200 Kelvin. Un flash electrónico de 5.000 a 5.500 Kelvin. Sobre todo no se deben mezclar luces de distinta temperatura (a no ser que queramos hacerlo expresamente) pues la escena nos cogerá una dominante azul o amarilla según el balance que predomine.

Por su duración, distinguimos dos tipos de fuentes:

1.- Luz continua, como sería la procedente de un foco con una bombilla normal y que da la misma luminosidad durante todo el tiempo que está encendida.

2.- Instantánea o de flash, que dan una luz intensa durante un breve espacio de tiempo.

Por su trayectoria distinguimos:

1.- luz directa, tal cual sale del flash o del foco; es la más dura y da unas sombras muy pronunciadas.

2.- Luz tamizada, que pasa por un difusor como una ventana o caja de luz o cualquier otro filtro que suaviza las sombras. Es más suave que la directa y da sombras menos pronunciadas.

3.- Luz rebotada, que sale del foco o flash y se envía a un reflector como un paraguas o un panel de cualquier material. El material blanco devuelve una luz suave, el dorado una luz cálida y el plata una luz más fría y dura.

Por su finalidad, distinguimos una función técnica: iluminar la escena para que podamos registrar algo en el sensor y una función estética, de belleza, para crear contrastes y una atmósfera determinada. A este efecto hablamos de:

1.- Luz principal, que determina el contraste general y nos suele marcar el diafragma de cámara.

2.- Luz de relleno, para aclarar el lado de las sombras.

3.- luz del fondo. Los fondos se iluminan aparte. Los blancos quedan oscurecidos si no se iluminan. Los negros en cambio debemos evitar que les lleguen luces errantes. También se puede colorear el fondo colocando acetatos de color en los focos y flashes.

4.- Luces de efecto: dirigidas al pelo o manos, o pómulos, etc.,  a una pequeña parte de la escena para provocar efectos de contraluz o resaltar algún detalle.

Esquema básico de iluminación.

Como dicen algunos autores si una sola luz ya es un problema, con dos o más luces aumentarán los problemas. Por ello es fundamental:

 Saber la finalidad que le vamos a dar a cada luz, observar su efecto sobre la escena antes de disparar, medirlas por separado (puede hacerse con el propio fotómetro de la cámara) y parapetarlas para que no se salgan y se mezclen sin control.

Veamos algún ejemplo.:

Con una sola luz.

El esquema normal sería situar la luz a un lado del modelo a unos 45º y un poco por encima de la altura de los ojos.

Procuraremos separar al modelo del fondo y observar el efecto de la luz prestando especial atención a los reflejos de las gafas, a las sombras de la nariz y la intensidad de la luz sobre las ropas blancas o amarillas.

Debemos tener en cuanta también, que el efecto de difusión de la luz tamizada aumenta cuanto más cerca está la luz del modelo.

Con este simple esquema tendremos una gama tonal amplia y sensación de volumen.

Esquema 1:

Foto 1:

Con dos luces:

Si queremos aclarar el lado oscuro podemos añadir una luz de relleno, que no sea tan intensa como la principal pues, en tal caso, nos igualaría toda la escena y desaparecerían las sombras. La misma función de relleno, podemos hacerla, en principio, con un foco o con un reflector.

 

Esquema 2:

Foto 2:

–         Con tres luces:

Si queremos añadir algún efecto, como una luz de contra para resaltar el cabello, esta deberá tener al menos un diafragma más que la luz principal.

Esquema 3:

Foto 3:

 

 

– Con cuatro luces:

Y todavía podríamos añadir otra luz más al fondo, bien para iluminarlo o para colorearlo o simplemente para perfilar el lado oscuro de la cabeza del modelo.

Esquema 4

Foto 4:

Precisamente la luz de fondo de la foto 4 ha salido mal. Para iluminar bien el fondo harían falta dos focos de la misma intensidad que crucen las luces de fondo. En este caso solo tenía uno y está mal medido y revienta las luces por un lado. Como ya no se pudo repetir la foto os dejo esta para seguir la secuencia completa.

Evidentemente en un estudio bien equipado con paraguas, ventanas, jirafas, focos fresnel, nidos de abeja, snoot, fondos, acetatos, etc., hay unos medios idóneos para el retrato.  Pero también en casa, con lámparas de uso doméstico, podemos construir un pequeño arsenal con el que hacer buenas fotos.

Este es mi arsenal casero particular:

Foto 5

Son todo bombillas de tungsteno o filamento sobre  lámparas de pie o de sobremesa, de diferente potencia y provistas de concentradores y difusores caseros y dos reflectores al fondo.

Con este equipo se han hecho estas fotos:

Foto 6

Foto 7:

Como conclusión sobre la luz artificial, conviene recordar algunas claves:

–         No mezclar luces de distinta temperatura para tener un balance de blancos homogéneo.

–         La calidad y el efecto de las luces cambian según la distancia que haya de la fuente al modelo. Cuanto mayor es la distancia menor es el efecto de difusión de una ventana o el de alto contraste de un foco directo.

–         El tamaño de la fuente también importa. Para iluminar un cuerpo entero necesitaremos un foco más grande que para un primer plano.

–         Lo importante es la calidad de la luz, que nos de el tono de sombras y luces que buscamos. La cantidad la podemos conseguir con una velocidad lenta y el trípode.

–         Podemos poner todas las luces que queramos pero debemos mirar bien la escena por el visor para ver el efecto y parapetar las que haga falta para que no se mezclen.

–         El diafragma de cámara lo tomaremos de la luz principal.

–         Las luces de contra para dar efecto en el pelo deben de tener al menos un diafragma más que la luz principal.

–         La luz de relleno debe tener al menos un diafragma menos que la luz principal.

–         La luz de relleno debe colocarse junto a la cámara.

–         A los cabellos espectaculares es conveniente darles una iluminación aparte para resaltarlos.

 

Los fondos.-

Sobre todo debemos procurar que no distraigan la atención hacia ellos. Para ello conviene ir a diafragmas abiertos que nos den poca profundidad, aunque también podemos conseguir el mismo efecto en la edición. El modelo debe estar separado del fondo de 1,5m a 2m. Pueden ser neutros, negros (hay que parapetarlos para que no les lleguen las luces), blancos (los blancos hay que iluminarlos aparte o se verán impuros.

También se pueden crear colocando una gelatina con formas o colores sobre el foco y proyectarlos sobre un fondo blanco.

Para modelos vestidos de tonos negros van bien los fondos amarillo y blanco.

Para modelos vestidos de verde, de rojo o de azul, van bien los fondos blancos.

Para modelos vestidos de blanco van bien los fondos azul, verde y negro.

El encuadre.-

Puede ser vertical u horizontal. No hay porque colocar necesariamente al modelo en el centro justo del encuadre. Dar un poco de “aire” a la mirada y descentrar al modelo es algo que funciona bien en muchos casos. En retrato, igual que en cualquier fotografía, también se debe componer y conviene buscar “líneas” entre la ropa, las cejas, las manos o lo que sea del modelo y recordar la regla de los tercios.

Los complementos.-

Las manos son muy expresivas, su posición y actitud, dicen mucho. También los brazos ayudan a componer. Pero podemos recurrir a cualquier cosa que funcione: un sombrero, un paraguas, un bastón, abanicos, etc. y porqué no, un buen ventilador para el cabello.

El maquillaje y el estilismo son imprescindibles en una sesión profesional de publicidad o moda. Para los aficionados recordar que hay que evitar los brillos. El maquillaje de los ojos es fundamental para realzar la mirada. Rimel en las pestañas, una línea en los ojos y algo suave en el párpado superior contribuyen a ello. Los labios y las mejillas son otras partes sobresalientes del rostro y que hay que mimar.

Y una cabellera hermosa hay que aprovecharla, darle juego y si hace falta darle una iluminación aparte.

En cuanto a la ropa, cuestiones de gusto personal aparte, hay que tener mucho cuidado con los colores blanco y amarillo pues si están cerca de la luz principal tienden a salir quemados.

 

4.-El encuadre  (la pose, el foco, la dirección del modelo)

La pose.-

Para algunas personas posar es un pequeño martirio. Y para la mayoría es un poco incómodo pues no saben lo que tienen que hacer y temen que se descubra su lado malo, eso que no les gusta cuando se ven en el espejo.

Dirigir al modelo es esencial, pero también es algo muy difícil.

Es necesario ganar la confianza del modelo, que vea que sabemos lo que hacemos, procurar que se sienta cómodo y relajado. Los músculos faciales y la cámara no se llevan bien cuando hay tensión.

No debemos pedirle que sonría o que haga tal otra cosa si lo vemos forzado. Una cosa que ayuda es compartir con el modelo lo que pensamos hacer, mostrarle algunas fotos, preguntarle su opinión y saber lo que el modelo espera de la sesión.

Debemos estudiarlo para ver su potencial. Cara redonda o alargada…, ojos, cabello, la mirada, los dientes, gafas, …

Salvo que sea un retrato de carácter, en cuyo caso deberíamos cerrar plano y buscar solamente la mirada desnuda del modelo, o que sea un retrato de ambiente en el que abrimos plano y vemos al modelo en su actividad, en cualquier otro retrato, debemos evitar la pose absolutamente frontal pues no favorece mas que a rostros muy bellos y simétricos. Es preferible no mostrar las dos orejas del modelo, con una basta. Para ello debemos colocarlo con los hombros un poco laterales hacia la cámara y la cabeza girada.

El foco debemos dirigirlo a los ojos y si éstos están a diferente distancia de la cámara el foco irá dirigido al ojo más cercano.

Las caras redondeadas quedan mejor dándole la luz principal al lado “pequeño” de la misma (al girar la cabeza hacia la cámara distinguimos un lado “grande” que es más visible y un lado “pequeño” que no se ve en su totalidad)

Las caras alargadas quedan mejor recibiendo la luz principal por el lado “grande”.

Especial cuidado hay que tener con las poses en que se apoya la cara sobre la mano o los brazos, para que no se deforme el rostro.

Preparar el “estudio” o lo que sea para que la sesión sea cómoda es esencial. No hay que dejar que el modelo pase frío o calor o sed. No cuesta nada preparar algo de música, regular la temperatura y tener preparado algún refrigerio.

También hay que cuidar de que no haya personas extrañas que puedan cohibir al modelo.

En general hasta las personas más tímidas acaban soltándose al final de una sesión; por ello es interesante ir haciendo fotos de prueba y mostrándolas al modelo para que se vaya soltando.

En conclusión: el modelo profesional ya sabe lo que tiene que hacer, sólo hay que pedírselo.

El modelo no profesional no sabe lo que tiene que hacer, tenemos que relajarlo, estudiarlo, ganar su confianza y dirigirlo.

5.-El disparo (retoque, archivo)

Y por fin a disparar. A hacer una buena foto.

Para ello hay que tener la sesión lo mejor organizada posible.

El espacio con amplitud, sin objetos que estorben. El fondo y las luces en su sitio. La cámara limpia, con la batería llena y la tarjeta descargada… todo lo que invirtamos en la preparación del escenario y de la sesión ahorrará tiempos de espera que cansan a todo el mundo. Pero lo más importante es que llega la hora en que debemos saber lo que queremos hacer. Hay quien improvisa la sesión y le funciona.

Pero es más recomendable tener hecho un pequeño guión con las poses, las luces, las ópticas etc.

Hay en la red catálogos de diferentes poses de modelo.

También podemos buscar en revistas y libros.

El retoque.

Es algo muy personal y dependerá de lo que cada uno busque en el momento de la toma.  Lo que propongo es un flujo de trabajo, con independencia del tipo de retoque que se haga,  que a mi me ha venido muy bien.

1º. Rastrear la imagen al 100% para limpiarla de manchas del sensor, reflejos, defectos de la piel, etc. con las herramientas de reparación: pincel corrector, parche, tampón…

2º Eliminar los ojos rojos si los hubiera.

3º “Cirugía estética” corregir, sin abusar, con las herramientas licuar o transformar, músculos, narices, pechos, trasero, etc.

4º Reencuadrar, rotar, recortar, enderezar.

5º Corrección tonal (curvas, niveles…)

6º Corrección de color.

7º Correcciones parciales como sobre-subexponer en pequeñas áreas de cabello, dientes, labios…

8º Efectos especiales: enmarcado, ruido, degradados, filtros…

9º Tamaño de imagen interpolando si queremos una copia más grande.

10º Máscara de enfoque.

GUARDAR.

De las fotos que quiero conservar yo guardo el archivo RAW original con una descripción textual del mismo para su mejor localización.

Otro archivo “maestro” que es hasta el paso 8º anterior en formato TIFF con capas. (Ocupa menos espacio que el PSD)

El archivo que llevo a la impresora o el laboratorio no lo guardo.

Y sobre todo hay que procurar eliminar rápidamente las fotos que no nos valen de una sesión.

 

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Bien, para acabar, veámos una foto ya mas procesada en la que apliqué estos otros ajustes que os detallo mas abajo y que son válidos para muchas imágenes, en la foto había una zona quemada, que, sin embargo, podemos aprovechar para hacer un viñeteado que le da un efecto de moda al fondo.

VIÑETEADO
Es una buena manera de cerrar una foto y resaltar más el objeto del interés. He seguido este método:
Sobre una capa nueva seleccionar herramienta marco elíptico y desplegar sobre el modelo. Modificar la selección al gusto e invertir selección.
Seguir con una capa de relleno de color uniforme (normalmente negro, pero con este metodo se puede poner cualquier otro color oscuro que combine con el resto de la imagen).
Rasterizar la capa y aplicar desenfoque gaussiano a tope (250 pixeles). Por fin jugar con la opacidad de la capa.

BLANQUEO DE DIENTES
Seleccionar los dientes por cualquier método: máscara rápida, varita mágica, lazo, etc, calar la selección y crear una capa de ajuste de corrección selectiva. En el color AMARILLO, quitar negro hasta casi el 100% si hace falta (según veamos). Todavía se puede blanquear más sobre el color NEUTRO quitándole hasta un 20% de amarillo o de negro. Luego, como siempre, jugar con la opacidad de la capa.

RETOQUE DE LA PIEL
Hay muy buenos tutoriales con muchas acciones artesanales. Algunos “plugins” nos ayudan a hacerlo en un sólo paso, rápidamente, dejando textura y con un alto grado de control. Yo he usado el filtro Dinamic Skin Softener del plugin COLOR EFEX PRO 3.0 de NIK SOFTWARE . Basta con aplicar el cuentagotas sobre la zona de piel que queremos suavizar y dar a OK. Si hay más de una zona diferenciada por brillos o maquillaje, podemos repetir la acción cuantas veces sea preciso. Como el plugin funciona como una capa de ajuste al final siempre podemos graduar la opacidad del efecto.

DODGE AND BURN
Para crear contrastes locales remarcando el brillo de la luz en piernas, brazos, mejillas, etc..
Duplicamos capa y vamos a EDICION, RELLENAR, 50% DE GRIS y ponemos la capa en modo superponer.
Elegimos un pincel suave de punta blanda y tamaño adecuado y con una opacidad baja (de un 5 a un 10%, es preferible dar varias pasadas para conseguir el efecto) con el color frontal en blanco cada pasada del pincel nos va a sobre exponer y ganar brillo. Con el frontal en negro nos va a subexponer. Como siempre podemos graduar al gusto la opacidad del efecto en la paleta capas.

ENFOQUE AVANZADO
Es el mejor método que conozco.
Sobre una capa duplicada abrimos FILTRO–>> OTRO–>> PASO ALTO, con un radio de 1,4 pixeles. A continuación vamos a IMAGEN–>> CONTRASTE AUTOMATICO, ponemos la capa en modo LUZ SUAVE y graduamos la opacidad. ¡Es genial!.

  1. Nohemi
    domingo, 10 de abril de 2011 a las 22:59 | #1

    No voy a aprenderlo todo del tirón y posiblemente no lo aprenda nunca al completo, pero lo entiendo y ya es un gran paso. Muchas gracias Don Julio, eres un crack.

  2. jose luis
    jueves, 5 de enero de 2012 a las 19:57 | #2

    para mi que estoy dando los primeros pasos me parece genial sencillo y muy bien explicado gracias

  3. mariaae
    viernes, 23 de marzo de 2012 a las 13:38 | #3

    Hola buenos dias.
    Hola soy nueva en la fotografía, por favor pido consejo para intentar realizar unas buenas fotos de retrato, que el material me salga lo más económico posible.
    Yo soy maquilladora y voy hacer unas sesiones de maquillaje , peinado y demás, entonces….me voy a montar un estudio casero.
    Mi pregunta es: ¿ si yo quiero iluminar perfectamente el rostro cabello, la cara que se vea perfecta, que iluminación debo poner?
    en unos tutoriales he visto que va muy bien luz con paraguas blanco, poruqe difumina la luz y capta la totalidad de la imagen iluminada.
    O si no la alternativa de poner foco lado izquierdo, foco lado derecho y poco encima de la modelo??
    o foco y también refelector?? ayyy no tengo ni ideaaa!! por favor me pueden ayudar? os lo agradecería mucho.
    gracias

  4. javifreitas
    jueves, 6 de septiembre de 2012 a las 08:15 | #4

    @mariaae
    Hola mariaae, justo en este tutorial que has visto esta explicado lo que pides… leelo mas despacio y si aun tienes dudas preguntanos
    GRACIAS!

  5. martes, 8 de julio de 2014 a las 02:42 | #5

    Hola no sabes nada acerca de los retratos formales plis si sabes algo me escribes

  6. martes, 8 de julio de 2014 a las 02:55 | #6

    La verdad esta muy bien explicado, muhas gracias